fotografía

Photo España es un evento fotográfico que ha venido creciendo mucho los últimos años. La presencia es total en los medios, la sociedad fotográfica y artística y además ha estado expandiéndose fuera de Madrid con intención. Cuenca, incluso ahora Lisboa reciben los carteles de PhE con gran orgullo, o visionados de portfolios en São Paulo o Ciudad de Guatemala.

La página web es un completo galimatías de información y enlaces cruzados, el diseño está hecho además en flash, lo que imposibilita la indexación del contenido por parte de los buscadores. Encontrar una exposición de mi interés es una tarea ardua y compleja, con falta de información y totalmente desubicada, y con enlaces que no funcionan o funcionan incorrectamente (vamos, que no funcionan), imágenes pequeñas y escasas y referencias que aparecen y desaparecen de un día para otro en plenas fechas del festival. Un auténtico desastre. De hecho, había planificado visitar alguna exposición en función de algún autor mostrado en la página web y al reescribir este artículo ya han desaparecido.

Detrás de toda esta maraña de gran propaganda, está el concepto de PhE que siempre he encontrado: un marco fotográfico donde tener exposiciones, talleres, conferencias, lo que es un acercamiento a la realidad fotográfica actual, y tomar el pulso de la gente que se está moviendo en el ecosistema fotográfico, profesionales, conferenciantes, tutores, editores, aficionados, etc. Así, tiene buena pinta. Si somos capaces de abstraernos de los poppies, trendies y demás chavalotes con lomo que circundarán los espacios de PhE, podremos disfrutar de alguna que otra exposición bien comisariada, que son casos realmente excepcionales, de buen material y de buen ojo. Autores clásicos, normalmente. Es normal. Pero sinceramente, y sin ser sospechoso de ello, las fotografías que nos invitan a detenernos ante ellas, que nos emocionan más, que podemos mirar y remirar durante horas, y que nos ayudan a nosotros mismos, suelen ser las de autores que han pasado la criba de la época. Quizá alguno de los autores contemporáneos superen las próximas décadas y sean considerados en el 2050.

“El trabajo de Helen Levitt se puede denominar anti-periodismo”. 1969. Walker Evans. Un principiante, vamos…

Aspecto de la sala principal de la planta baja. Exposición muy completa y con numerosas fotografías, diferentes épocas de la autora, una delicia. Repetiré.

Estuve en la exposición de Helen Levitt el otro día (c/Zorrilla, 3. Hasta el 29 de agosto). Pocas palabras más se pueden añadir al comentario de Evans. Una exposición muy bien tratada, cómoda, con muchísimas fotografías buenísimas, con los espacios bien divididos en cuanto a épocas y temas que trató la autora, y una sala de consulta de los libros más comunes que de ella podemos comprar se han publicado. Copias bien positivadas, bien montadas y como suele suceder, no demasiado bien iluminadas, pero no todo se puede pedir, y la iluminación en las exposiciones es siempre una tarea pendiente, salvo en El Prado y en la Frick Collection, por poner un par de ejemplos. Un proyector de diapositivas nos devuelve a la época cuando las fotografías se veían bien, no como con los súperproyectores digitales de ahora, por muy “FullHD” que nos pongan.. color, contraste, contundencia de imagen,… y el soniquete del pasar la diapo. Total. Los que hemos podido disfrutar de una proyección de 6×6 con un PCP 80 (proyector Hasselblad con óptica basculante Carl Zeiss -auténtica, no como las de las digitales de Sony-), no tenemos complejos. Eso es ver Fotografía.

Preciosas copias pequeñas de fantásticas imágenes de reportaje urbano.

El proyector de diapositivas Kodak a pleno rendimiento. Todavía quedan

Otros fotógrafos de los que recomendaría la visita son Ugo Mulas, Yann Gross, Bartolomé Gros o Mauro Restlife. Sin poder tener acceso a información concreta de todos ellos, es todo lo que puedo aconsejar desde lo que PhE10 facilita en su escueto espacio dedicado a las exposiciones. Creo que me dejaré caer por alguna de ésas.

Tradicionalmente, las mejores muestras de PhE suelen ser las de los autores clásicos, entre los que se encuentran Diane Arbus (Sala La Fábrica, hasta el 23 de julio), Harold Edgerton (si no vimos las clásicas imágenes de estudio de movimientos: AZCA, hasta el 25 de julio). En cambio, exposiciones como las de Jurgen Teller o Isabel Muñoz (con otros trabajos fantásticos) prometen ser una soberana pérdida de tiempo.

Conclusión final al respecto, que PhotoEspaña es un gran acontecimiento fotográfico, digno de ser disfrutado por nosotros los entusiastas, pero que hay que dedicarle una satírica mirada dado que es un gran volumen de humo que nos quieren vender, el cual, obviamente, no compramos.

Crítica Dispersa.

nieve, nieve...

Recientemente tuve la oportunidad de colaborar para una empresa extranjera para la realización de fotografías de un evento corporativo en Barcelona. Este evento reunía a las personalidades más importantes de las empresas bioquímicas más fuertes del mundo, cuyos empleados se reúnen unos con otros durante 3 días para cerrar acuerdos de colaboración para sus respectivos negocios.

La Llotja de Barcelona ofrece una imponente vista superior.

Networking fulltime (hay que estar en la brecha).

Lo fundamental reside en  la gran cantidad de imágenes a entregar y las situaciones que hay que representar, de forma espontánea. Muchos saludos, intercambio de tarjetas (networking), a ser posible sin rostros, la panelación, fotos desde grúa, exteriores, conferencias, público, goodies (regalitos de las firmas colaboradoras), patrocinadores, fiestas, retratos corporativos, … en fin, de todo. Un trabajo bastante intenso y muy concentrado en 4 ó 5 días. ¡Y encima intentando que sean buenas fotos! La parte buena es que las especificaciones del cliente son muy directas y concretas, no hay nada mejor que un cliente que sabe lo que quiere, bien documentado con un buen briefing y un listado por prioridades de las necesidades que tiene fotográficamente hablando.

Tanto networking puede hacer que ni recordemos con quién hemos hablado...

En un trabajo de este tipo es cuando uno se puede dar cuenta (aunque yo como “evangelista” ya lo había intuido) de para qué necesitaría un fotógrafo aparatos tan aparentemente prescindibles como… un módulo WiFi, sí, una cámara con calidad ISO, una batería Quantum Turbo, cinta americana, etc.. lo que pueda imaginarse, para hacer el encargo de la manera más eficiente posible, que es de lo que se trata.

Todo el mundo trabajando

Muchas veces me pregunto cuando hago un encargo, cuál es la diferencia entre un fotógrafo bueno y un fotógrafo profesional. Pues bien, pese haber encontrado la respuesta hace ya tiempo, sigue habiendo puntos de no coincidencia en los caminos de ambos. Un fotógrafo profesional es el que es capaz de solucionar un problema a su cliente, y hay fotógrafos profesionales buenos y que conocen su oficio de manera excelente, aun no siendo buenos fotógrafos estrictamente hablando, en el sentido de sacar la imagen más bella posible de la situación. Pero el caso es que resuelven el problema. Un buen fotógrafo es aquel quizá que saca imágenes diferentes a las de cualquier otro, con buen criterio y sentido estético. Esto puede funcionar profesionalmente muchas veces, pero desde luego no en muchas de las situaciones profesionales. Esto lo comento desde una perspectiva diferenciadora de ambos, porque es cierto que se da el caso en que ambos perfiles confluyen en una sola persona, y no pocas veces, pero no es el caso de todos. Conozco excelentes fotógrafos que serían incapaces de resolver según qué tipos de encargo profesional, y viceversa. Esto lo menciono especialmente porque… sí, por supuesto que me pregunto cuando estoy fotografiando un trabajo, ¿qué fotos sacaría un buen fotógrafo en esta situación? ¿qué cosas sería capaz de ver él que yo no puedo ver? ¿Tendré tan mala suerte de que todo está sucediendo justo un momento antes de que pueda anticiparme a la acción que me interesa?¿O no es cuestión de suerte? Yo al menos antepongo mi portfolio para que sea el cliente el que juzgue si puede confiar en mí o no. Mis fotos son mi tarjeta de visita.

Y tan difícil.

¡Cómo cayó nieve!

Como para rodar una escena del Dr. Zhivago... pero no, no es Soria.

Las conferencias se siguieron con mucha atención.

En otro orden de cosas, uno puede llegar a pensar por qué acaba invirtiendo en óptica fija cuando con un zoom puedes trabajar con las mismas focales a menor precio, con estabilizador, sin tener que cambiar de objetivo, etc… La verdad es que no sé por qué es del todo necesario invertir en un zoom que no deja de ser un apaño de economía de esfuerzo (especialmente mental) . Con un fijo pienso más rápido, la cámara enfoca más rápido, pierdo menos oportunidades fotográficas… y además los resultados son mucho mejores. Es más, con un fijo con buena apertura máxima relativa, uno VE a través del visor, y no tiene que hacer un esfuerzo ocular tan gravoso. Para los que piensen que es más cómodo. Yo al menos no consigo adaptarme a un zoom de la misma forma que con objetivos fijos. En una situación de reportaje, el tiempo que tardas en pensar si tu imagen es con tal o cual zoom para cuidar el encuadre, y en poner el zoom en la focal adecuada, es más del que tarda en transcurrir la acción, y pierdes el momento, y si añadimos el tiempo que tarde en enfocar el autoenfoque de la cámara perderemos tantos disparos de momentos importantes como los que quisimos ganar apostando por un zoom.

La poderosa Quantum SC en la sala de personal.©javifoto.com

Personalmente no considero una limitación creativa el hecho de contar con un objetivo fijo, puesto que la mente está preparada para el resultado de dicho objetivo, y la calidad de imagen está siempre muy por encima, porque sí, dentro de los objetivos serie L hay clases, por supuesto. Si por ejemplo calo el 35mm en mi cámara, ya sé qué imágenes me va a permitir fotografiar, y estaré bien preparado para las posibilidades que surjan, y a las posibles variables que pueda tener, así que a propósito decido estrechar mi rango de opciones para mentalizarme con una sola herramienta. Si quiero sacar situaciones más de detalle, podré poner el 85mm en otra actividad, o el 135mm, o llevarlos en otra cámara al mismo tiempo, e intercalar más rápidamente un discurso u otro, pero siempre con un camino más y mejor encauzado. Así es como lo entiendo. Los reportajes de viaje, por ejemplo, sobre todo cuando estamos con gente y actividad urbana, considero también que se pueden solventar de manera muy eficaz de esta manera. Si además entramos en aspectos técnicos, desde luego que no aguantan la comparación en cuanto al color, en cuanto a distorsión, resolución, contraste, a esa sensación de “limpia nitidez” que podemos tener a f/1,8 ó f/2… la que nunca llegará un zoom ni a f/8. Cuántos diafragmas estoy ganando? Y si nos metemos en condiciones de luz complicada, mucho más crítico, donde los inferiores rangos de separación tonal de un objetivo zoom hacen que tengamos problemas de sombras, ruido y dispersión cromática más graves.

El entorno arquitectónico es indudablemente inspirador.

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El otro día en el curso del 16 de marzo en Casanova Barcelona sobre gestión de color y software RAW, precisamente comenté que un buen objetivo hace que nuestra cámara rinda mucho mejor a ISOs altos como no hace con un objetivo de menor calidad. Aun siendo un buen objetivo, la audiencia se sorprendió no poco al poder ver unas fotografías de danza realizadas con la 1Ds Mk III a 1250 ISO con una nitidez y calidad de imagen nada fácil de ver en el mercado… y sacando el EXIF fue cuando pudieron ver a qué se trataba especialmente. Uno cree que su 70-200 2,8L IS USM es un muy buen objetivo, hasta que hace fotos con un 200mm f/2L IS USM. Entonces es cuando uno comprende un poco más allá. Impresionante, desde luego.

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Yo sigo pensando que no hay nada tan rápido como un objetivo fijo trabajando con el método de distancia hiperfocal.

Aún con todo y con eso también pienso que un zoom es un pequeño buen amigo que no debemos infravalorar. Al menos como objetivo de repuesto nos servirá, jejeje…

Todas las imágenes salvo comentario: ©EBD Group. Foto: javifoto.com

Crítica Dispersa., Fotografías

Uno de los modelos de las nuevas cajas de película instantánea. Diseño edición especial de Paul Giambarba.

Y hete aquí que Impossible Project sale a la luz en forma de varias versiones de las antiguas Polaroid, varias versiones y con previsiones muy serias de ampliar el catálogo a las emulsiones más grandes y que más satisfacciones nos han causado a los fotógrafos durante generaciones.

Pues el 1 de octubre de 2008 fue cuando un tal Dr. Florian Kaps hace oficial que se pertrecha de un buen gran puñado de ex-ingenieros de Polaroid con el propósito de “refundar” la emulsión instantánea al estilo de siempre, con la idea de los que se resisten a los tiempos modernos impuestos, ante la tiranía subyugadora de aquellas compañías que se dedican a pensar por ti, el usuario, y retiran del mercado artículos que bien reorientados pueden suponer un importante beneficio hoy día. Sí, Polaroid es insustituible pese a plug-ins, filtros, hdr y memeces similares, porque en sí mismo es una institución fotográfica. Porque el valor de una fotografía Polaroid es intrínseco a esa “foto”.

A grandes problemas tuvieron que enfrentarse. Ahorro de costes y nuevos materiales para patentes originales.

“Polaroid is transforming itself from an analog Instant Film Production Company to a global Consumer Electronics and Digital Imaging company.

Production of analog Instant Film stopped in June 2008, closing the factories in Mexico (Instant Packfilm production) and the Netherlands (Instant Integral production).

Impossible b.v. has been founded with the concrete aim to re-invent and re-start production of analog INTEGRAL FILM for vintage Polaroid cameras.” The Impossible Project, 2009.

“Polaroid se está transformando de una Compañía de Producción de Película Instantánea hacia una compañía de Electrónica de Consumo e Imagen Digital. La producción de película química se detuvo en junio de 2008, cerrando las fábricas de Méjico (Producción de paquetes de película instantánea) y de Holanda (Producción de película Instantánea Integrada). Impossible b.v. ha sido fundada con el objetivo concreto de reinvetar y reiniciar la producción de Película Instantánea Integral para cámaras Polaroid clásicas”… más o menos en español castizo.

Según ellos mismos, la iniciativa no trata de reeditar emulsiones primitivas de Polaroid, sino de preparar nuevas emulsiones, materiales optimizados, bajo una nueva marca, con tendencias más actuales y con un marcado carácter propio, dentro de los chasis compatibles con la mayoría de los modelos de cámaras Polaroid del mercado (Entre otras cosas, tuvieron que desarrollar un nuevo negativo, un nuevo positivo, una batería nueva, un agente reactivo nuevo y diversos materiales de emulsionado, una nueva vaina de metal, …).

©Impossible Project.

Dick Koopmans, Bennie Evers, Paul Latka, Nico Dikken, Martin Steineijer, Henk Minnen, Kees Teekman, Andre Bosman, Gerhard Kamphuis, Marwan Saba y Florian Kaps, químicos, ingenieros mecánicos, operadores de maquinaria, expertos en materiales, eléctricos y directores de proyecto internacional.

Veteranos reunidos contra la avalancha del digital. La polaroid representa el símbolo básico de la imagen única e irrepetible como valor principal, desarrollando un apego sentimental y emocional directamente relacionado con el poseedor o tomador de la imagen, como ninguna otra fotografía (repetible) puede proporcionar.

Así que, a hacer mi pedido, cargar mi SX-70, mi chasis 4×5 para la Sinar F, y… a hacer Fotografía.

La tienda:

http://shop.the-impossible-project.com/shop/

Esperamos volver a disfrutar de la Polaroid como antaño...

Crítica Dispersa. Classic, Film, Impossible Project, Película, Polaroid, Vintage

Otrora un gran acontecimiento en el mercado del arte, ahora embestido por las actuales circunstancias económicas y, nótese, la caída en picado que sufren este tipo de ferias, por varias cuestiones… desde mi punto de vista, de lo más importante suelen ser las abusivas condiciones del recinto de cara a los participantes. Pero probablemente la causa más determinante en este caso, es la escasa calidad de la oferta artística que se lleva… sólo un pequeño porcentaje de lo que podemos ver colgado de las paredes llama nuestra atención, nos parece interesante.

Divertida, honesta y directa. Y técnicamente fantástica. ¿Qué más se puede pedir?

Uno no pierde una tarde en el pabellón 10 de Ifema (largo es el camino) para encontrarse con una gran cantidad de obras que ya nos empezamos a saber de memoria, y que nos empiezan a aburrir de verlas… MadridFoto, PhotoEspaña, ARCO,… y es que gran parte del material exhibido ya nos sonaba de otras ferias y muestras de este mismo año, por ejemplo MadridFoto, lo que nos conduce al aburrimiento.. ¿tan pocos artistas hay? ¿Tan poco quieren trabajar/crear? ¿Nadie revisa portfolios como para sacar gente que nos pueda sorprender un poco? Si vas a llevar a una feria lo mismo que en la anterior… ¿cómo esperas que te vayan a visitar? ¿Cómo una pieza de 18.000€ puede tener cantes técnicos? He aquí uno de los quid de la cuestión: si uno se cansa de una obra… ¿por qué será? Pues porque cuanto más se encuentre en una moda visual, más pronto se desgastará conforme pase el tiempo. Lo sorprendente es que canse en unos pocos meses.

¿Pero esto qué es?

Y es que la fotografía contemporánea.. debe ser tan contemporánea que uno se cansa de verla de una feria para otra dentro del mismo año.. y es que son muchas las oportunidades de ver fotografía…

Desde aquí vemos que las élites artísticas han permitido que en los últimos años la fotografía suba como la espuma y se instale como una importante corriente artística. Lo paleto de lo español nos llama en el interior del cerebro para ver que seguimos los pasos del extranjero.

Bonitas fotografías. Autor: Luis Beltrán.

Claro que en alguna reciente muestra de Nueva York que pudimos contemplar no se iba mucho más allá de lo que vemos aquí… ¿seré yo el desencaminado? Seguro, pero el cuento ya se vende menos y la gente se cansa más de verlos (-”No entiendo esto que cuelga aquí”. -”No te preocupes, es mejor no comprenderlo, puedes tener tentaciones agresivas hacia el autor”).

Los corrillos de la gente en las galerías invitan a pensar cuán lejos de la realidad mundana les gusta estar. Ya cuando estudiaba de qué iba esto me lo dejaron claro: círculo cerrado, control total… la de dinero que tiene que mover el artisteo por aquí.

mmmmmmm.......

¿Cómo puede una infografía ganar un premio a la producción de un concurso de fotografía? Tic, tac, tic, tac,...

Sólo Entrefotos mantiene el espíritu y la competitividad, y se nos antoja la apuesta más interesante en el panorama fotográfico madrileño (o español) actual. ¿Por qué? Muy sencillo, lo que es considerado como “mercadillo” por los “artistas de la esfera superior”, es en realidad un escenario en el que el mismo autor dialoga, establece un compromiso y vende al cliente final, sea éste un coleccionista veterano, un iniciado, o bien alguien al que le gusta tu obra y no está supeditado a los dictámentes de las “corrientes artísticas”. Importante, ¿no? Resultado final, en general: Fotos. Cero pretensiones. Calidad global, buena.

Un estupendo guiño a dos grandes fotos del s.XX: El Beso, de Doisneau, en primer plano. Autor de la obra: Jordi Fontelles.

¿Pero esto qué es? II. Pues el premio Comunidad de Madrid Estampa 2009.

Una agradable parada en Estampa`09 se puede hacer en el espacio de Blanca Berlín, donde tienen una muy diversa oferta en fotografía de autor. Aquí, sin duda, una fantástica esquina fotográfica con obras de Masats y de Silvia Plachy, que quizá ya no sean “corriente conceptual contemporánea” pero es que puedo mirarlas mil veces y no me canso de ellas.

Masats y Plachy en todo su esplendor. Preciosas.

Un detalle siempre presente en Blanca Berlín: unos guantes blancos invitando... usted va a ver Fotografía.

Notable ausencia la de la novísima Galería Cero de Madrid, muy relacionada con la escuela de fotografía EFTI, que no ha acudido a la cita. Desconozco las razones por las que ha faltado a esta buena oportunidad para darse a conocer en el panorama español. Aunque creo que no le faltará popularidad.

Y al final, aunque parezca mentira, el stand de Eskulan, vendiendo papel hecho a  mano, es de lo más interesante que se puede ver en Estampa. Y es que a mí me encanta el papel… noble herramienta.

Eskulan y su gama de deliciosos papeles para Bellas Artes.

Que no se nos olvide...

Crítica Dispersa., Eventos Arte, Bellas Artes, Estampa´09, Feria, Fotografía Madrid, Ifema, Madrid

Un delicioso clip que me parecía interesante incluir en la web.

Perfecto para melancólicos.

Crítica Dispersa.

Aspecto de la tienda Lomo en Madrid, con el mostrador al fondo.

Hoy he visitado la “lomotienda” de Madrid situada en la calle Argensola. En realidad he ido buscando un regalo original para una tercera persona, pensando una de las pocas utilidades que personalmente veo en estas dichosas maquinitas.

Todo sea dicho de antemano, las chicas te atienden con suma profesionalidad y motivación, ayudándote en lo que fuera necesario, informándote de cualquier pesquisa referente al mundo Lomo.

La Lomografía tuvo sus primeros orígenes en la ambición del general del ejército rojo Igor Petrowitsch Kornitzky de que la fábrica de armamento y óptica rusa Lomo copiara un modelo japonés del momento. Hablamos de 1982.

Cosina CX-1 inspiración de Lomo. Imagen © de http://www.collection-appareils.fr/Cosina/html/cosina_cx_1.php

En un mundo tan “geek” de la tecnología, es bien cierto que estamos más preocupados por las especificaciones de las cámaras, que por hacer Fotografía. Esto es lo que me ha movido a escribir este pequeño comentario, ya que sin ser un gran admirador de las lomo, sí que soy un gran enemigo de ellas, pues una cosa es dar prioridad a la imagen por encima de la tecnología y otra vender plásticos de feria a precio de abrigo de piel por el hecho de estar enmarcados en “filosofía”. Típico del origen ruso-comunistoide que acompaña al invento. De hecho, puede resultar contradictorio ser fan de la célebre frase de Michael Reichmann, que no por ser pionero en pronunciarla, se nos adelantó en el pensamiento, de “la mayoría de las cámaras son mejores que la mayoría de los fotógrafos (most cameras are better than most photographers)”, y en cambio, estar en contra de la filosofía lomográfica, que incluye cosas tan rimbombantes como el “disparar sin mirar” o “disparar sin preocuparse” convirtiendo el rito fotográfico en un simple entretenimiento despegado del razonamiento. Bien pudiera pensarse que es un ejercicio que otorga gran frescura a las imágenes obtenidas mediante “técnica lomográfica”, pero no debemos olvidarnos quizá del pensamiento que intentan impartir mediante un dogma bastante rodeado de propaganda y, cómo no, de márketing.

Indignante resulta el propio hecho de que comparen el concepto de “no pienses, dispara” al de Eastman Kodak de “usted dispara, nosotros hacemos el resto”. Un respeto, señores, no se rían de nosotros. Kodak es uno de los grandes pilares en los que se ha cimentado la fotografía y ustedes, una mera astilla que bien podría ser prescindible.

Estas cosas de “disparar desde la cintura” que convierten Lomo en la idolatrización de toda una generación de fotógrafos, son un excelso caldo de cultivo para quienes no han, quizá, podido explorar lo suficiente la fotografía como para tener un estilo propio o un mínimo criterio y tienen en aquéllas un medio fácil y rápido de escape.

Los modelos Diana+ en colores y en pleno apogeo, con "estética" Lomo.

La banalización del hecho fotográfico produce una  máxima irritación, al considerar desaparecido lo necesario para hacer fotografía, que además se hace presente en los diez mandamientos de la lomografía, curiosa analogía con los Mandamientos de Dios para unas personas que dicen no seguir ninguna regla, pero que tienen diez básicas (recordando aquello del prohibido prohibir), algunas tan escalofriantes como éstas: “no pienses”. “No necesitas saber de antemano lo que vas a capturar”. “Tampoco después”. Y cuidado con ellos, hay cientos de miles de seguidores. Me encantaría ver el yate del propietario de Lomo después de haber vendido miles y miles de cámaras Kinder a precio de oro. Tiene que ser para desternillarse de la risa, especialmente basando todo su producto en una “idea” que ha sorbido el coco a miles de pseudofotógrafos aspirantes a Premio Nacional de Fotografía, probablemente enfundados en uniforme gafapastoso setentero.

Indagando un poquito en la historia, resulta hilarante el choque entre el espíritu no-lucrativo con intención de extender el mensaje de la Lomografía por todo el mundo (“Along with the 10 Golden Rules, the non-profit movement aimed to spread the message of Lomography throughout the world by hosting exhibitions, parties, tours, and workshops.”), con el precio de la cámara más barata de puro plástico del malo: 40€. Y dudamos de que no tenga entrada de luz.

Menos mal que al tiparraco de turno no le dio por fabricar coches de plástico para la práctica de la conducción bajo mandamientos similares a ése. Ya le bastó con matar buena parte de la cultura fotográfica.

Probablemente el modelo más interesante, el "Eyefish" con visor, en manos de una atrevida fotógrafa.

No obstante lo cual, he de admitir que algunas imágenes capturadas con estas cámaras son entretenidas, graciosas o incluso buenas imágenes, a parte de su contenido técnico, pues es la propia imagen la que tiene fuerza, no el hecho de haber sido capturada con una lomo. Aunque los casos son excepcionales, todo sea dicho, y que el uso de estas cámaras puede incluso ser divertido, que es el principal propósito.

Una de las razones en las que se basa la lomografía es en la necesidad de ausencia de técnica para conseguir imágenes válidas. La sola afirmación produce arcadas, puesto que uno no es que esté a favor o en contra de la técnica, es que es inherente al hecho en cuestión, sea apretar un tornillo o realizar un dibujo, y que se hace sublime cuando no es protagonista, pero que no puede sino derribar cualquier intento de “ausencia como prioridad” cuando uno de los argumentos más promulgados es la particular estética proporcionada por la máquina que hace las fotografías. Atómico.

La simpática Lubitel, de formato 120, por el nada lucrativo precio de 300€ aproximadamente.

He de decir que algunas de las fotografías que más me han gustado de las que he hecho a lo largo de mis años las he conseguido disparando sin mirar por el visor, con intuición, si se quiere, pero desde luego no desde “una filosofía del aire”, y sin que sea la cámara la que me permite hacer eso, sino mi forma de actuar en ese momento en cuestión. Y es que no estamos para vendedores de humo.

Sirva este artículo, paradójicamente, como antesala de una serie que espero poder actualizar periódicamente sobre FotóGrafos que me han causado especial impresión.

Crítica Dispersa.